كيف أصبحت فرقة البيتلز رموز جنسية دولية

كيف أصبحت فرقة البيتلز رموز جنسية دولية

في 26 ديسمبر 1963 ، تم إطلاق فرقة البيتلز أريد أن أمسك يدك و رأيتها واقفة هناك في الولايات المتحدة الأمريكية. نتيجة لذلك ، ارتبط هذا التاريخ دائمًا بوصول Beatlemania إلى مستويات عالمية حقًا.

في عصر Spotify ووسائل التواصل الاجتماعي ، يبدو مدى نجاح الفرقة أمرًا طبيعيًا تمامًا ، ولكن في ذلك الوقت كان انتشار أسلوبهم الجديد والمثير في جميع أنحاء العالم ظاهرة ثقافية رائدة.

بدايات متواضعة

بدأ صعود الفرقة إلى النجومية في عام 1957 عندما اجتمع تلميذ من ليفربول يبلغ من العمر ستة عشر عامًا يُدعى جون لينون مع مجموعة من زملائه في المدرسة وبدأوا في تشكيل فرقة مؤقتة أطلقت على نفسها اسم "Quarreymen".

على مدار العام التالي ، انضم صديق لينون بول مكارتني وصديقه جورج هاريسون أيضًا حيث تركه زملاؤه الأكبر سناً لينون لمتابعة وظائف أخرى.

لم يكن الوصول إلى القمر عملاً سهلاً ، بغض النظر عن مدى ثقة كينيدي في خطابه الشهير عام 1961. يروي فونغ قصصًا عن مدى قربهم من الفشل ، ومدى خطورة ذلك.

استمع الآن

بحلول عام 1960 تم تغيير الاسم إلى البيتلز، وقد عرفوا بعض النجاح المحدود في ليفربول وبعد جولة قصيرة في اسكتلندا ، حصل المدير غير الرسمي آلان ويليامز على إقامة المجموعة لمدة ثلاثة أشهر ونصف في مدينة هامبورغ الألمانية الغربية سيئة السمعة.

هناك لعبوا عددًا كبيرًا من العربات وأتقنوا مهاراتهم كمجموعة جيتار - وإن لم يكن ذلك بدون مغامرات مختلفة - مثل الكشف عن هاريسون على أنه قاصر وتهديده بالترحيل.

استراحة فرقة البيتلز الكبيرة

عند عودتهم إلى إنجلترا في عام 1962 ، تم تسجيلهم من قبل شركة EMI للنشر الموسيقي بعد الرفض الأولي وبدأوا تسجيلهم الأول في استوديوهات Abbey Road التابعة لـ EMI في يونيو. هناك طُلب منهم العثور على عازف درامز أكثر مهارة ، وتم الانتهاء من الرباعية الأسطورية عندما تم إقناع رينجو ستار ، عازف الدرامز في فرقة منافسة ، بتبديل ولائه.

استوديوهات آبي رود اليوم.

عام 1963 سيكون عام الاختراق ، مثل العزاب هي تحبك و مني لك وصلت إلى رقم واحد وبدأت في جذب قدر كبير من الاهتمام في الفرقة وأعضائها.

بعد عام من النجاح الهائل بحلول نهاية عام 1963 ، تقرر أن الوقت قد حان للتعامل مع أكبر وأصعب سوق في العالم - أمريكا.

الشركة الأمريكية التابعة لشركة EMI - Capitol Records ، رفضت بثبات الإفراج عن البيتلز الموسيقى في الولايات المتحدة حتى الآن ، ولكن بعد مفاوضات مع العلامة الأمريكية المستقلة Vee-Jay ، تم إطلاق العنان لأغانيهم الفردية الأولى في السوق الأمريكية في ديسمبر. يتبع الهستيريا.

النجومية ورموز الجنس

بحلول الوقت الذي انطلقت فيه المجموعة في أول زيارة لها عبر المحيط الأطلسي في فبراير 1964 ، أريد أن أمسك يدك كان في رقم واحد ، وتجمع 3000 شخص لاستقبال طائرتهم في مطار جون إف كينيدي في نيويورك.

فريق البيتلز يصل إلى مطار جون إف كينيدي الدولي ، 7 فبراير 1964.

عندما يكون لديهم أول أداء مباشر لهم على عرض إد سوليفان بعد يومين ، قام 34٪ من سكان الولايات المتحدة بضبط المشاهدة في عصر كان فيه التلفزيون لا يزال شيئًا جديدًا. ما كان يسمى "الغزو البريطاني" بدأ بشكل جدي.

المصطلح بيتليمانيا تمت صياغته قبل ذلك بقليل في إنجلترا ، وشوهد لأول مرة في الطباعة عندما كان بريد يومي نشر مقالا يسمى بيتليمانيا: هذا يحدث في كل مكان ... حتى في مدينة شلتنهام الرصينة ".

بعد الرحلة إلى الولايات المتحدة على وجه الخصوص ، أصبحت فرقة Beatlemania مشهورة بالصراخ عالي النبرة والهستيريا القريبة من الحشود الهائلة من الفتيات المراهقات اللواتي جئن لرؤية الفرقة كأربعة فتيان من ليفربول بشعر مرن أصبحوا رموزًا جنسية دولية غير محتملة.

بعد حفلة واحدة في هال في المملكة المتحدة ، تم الإبلاغ عن أنه يجب إزالة أكثر من 40 زوجًا من الملابس الداخلية.

دان سنو يلتقي كالدر والتون للحصول على مارتيني ولمحة عامة عن تاريخ التدخل الروسي في الانتخابات الأجنبية.

استمع الآن

تمت مناقشة أسباب هذا الانفجار الهائل من الهوس بالفرقة وتحليلها منذ ذلك الحين. تزامنت بعض الأفكار مع طفرة المواليد بعد الحرب العالمية الثانية ، عندما كان عدد الفتيات المراهقات أكبر بكثير مما كان عليه في أي وقت مضى ، حتى في الأيام الأخيرة لإلفيس أو فرانك سيناترا.

وهناك سبب آخر هو الشعر الطويل غير المهدد جنسياً والشباب والسحر البريطاني للمجموعة ، وهو أكثر جاذبية للجيل الجديد من الفتيات أكثر من إلفيس الشره جنسياً أو غيره من الفنانين الأكبر سناً. هناك العديد من التفسيرات الأخرى الأكثر غرابة من أي وقت مضى ، على الرغم من حداثة وتألق البيتلز ربما تكون الموسيقى هي الأكثر إقناعًا.

ثقافة التصدير

تجسد Beatlemania أيضًا الستينيات وثقافتها المضادة المتمردة. آباء وإخوة أكبر البيتلز احتقر المشجعون ما رأوه على أنه مظهر وموسيقى غير رجولي ، لكن هذا جعل جاذبيتهم أقوى ، خاصة بعد أن سلكوا مسارًا أكثر قتامة وأكثر مخدرًا في وقت لاحق من هذا العقد.

علاوة على ذلك ، فإن هذه المرحلة لا تبدأ فقط العصر العالمي للتاريخ الموسيقي ، ولكن أيضًا فجر بريطانيا باعتبارها القوة "الناعمة" الأولى في العالم مع انهيار إمبراطوريتها. منذ البيتلز، الصادرات البريطانية الأخرى من الاحجار المتدحرجه إلى اتجاه واحد عصفت بالولايات المتحدة والعالم.

تصدير بريطاني عظيم آخر ناجح ... رولينج ستونز.


راكيل ويلش

راكيل ويلش (ولد جو راكيل تيجادا 5 سبتمبر 1940) ممثلة ومغنية أمريكية.

لقد حظيت بالاهتمام لأول مرة لدورها في رحلة رائعة (1966) ، وبعد ذلك فازت بعقد مع شركة 20th Century Fox. لقد أعاروا عقدها إلى الاستوديو البريطاني Hammer Film Productions ، الذي صنعته مليون سنة قبل الميلاد (1966). على الرغم من أنها كانت تحتوي على ثلاثة أسطر فقط من الحوار في الفيلم ، إلا أن صورها وهي ترتدي البيكيني بجلد الظبية أصبحت الملصقات الأكثر مبيعًا والتي حولتها إلى رمز جنسي عالمي. قامت في وقت لاحق بدور البطولة في مبهر (1967), باندوليرو! (1968), 100 بنادق (1969), ميرا بريكنريدج (1970) و هاني كولدر (1971). قدمت العديد من العروض التلفزيونية المتنوعة.

جعلتها شخصية ويلش السينمائية الفريدة رمزًا في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي ، نظرًا لتصويرها لشخصيات نسائية قوية وكسر قالب رمز الجنس الأصلي. وبسبب هذا ، فإن صعودها إلى النجومية في منتصف الستينيات يرجع جزئيًا إلى إنهاء الترويج القوي لهوليوود للقنبلة الشقراء. [3] [4] [5] حصلت على جائزة جولدن جلوب لأفضل ممثلة في فيلم موسيقي أو كوميدي في عام 1974 عن أدائها في الفرسان الثلاثة. كما تم ترشيحها لجائزة جولدن جلوب لأفضل ممثلة في فيلم تلفزيوني عن أدائها في الفيلم الحق في الموت (1987). في عام 1995 ، تم اختيار ويلش من قبل إمبراطورية مجلة باعتبارها واحدة من "100 نجمة جاذبية في تاريخ السينما". بلاي بوي صنّف ويلش رقم 3 في قائمة "100 نجمة جاذبية في القرن العشرين". في عام 2011، صحة الرجل صنفتها في المرتبة الثانية في قائمة "أفضل النساء في كل العصور". [6]


جاء بول مكارتني بفكرة جولة سحرية غامضة

جولة سحرية غامضة كانت فكرة تم تصورها في ذهن بول مكارتني الذي أهدى العالم مؤخرًا مفاهيمه التجريبية بالألبوم الرائد الرقيب. فرقة نادي Pepper’s Lonely Hearts (1967). منذ تلك اللحظة ، ترك فريق البيتلز وراءه جاذبيته الشعبية وكانوا متجهين تمامًا نحو اتجاه مخدر بعناصر جديدة وفريدة من نوعها. يبدو أن أي طريق سلكه فريق البيتلز قد تم قبوله من قبل العالم بحماس ، مما منحهم الشجاعة لاستكشاف طرق جديدة. كان مكارتني مستوحى من فيلم Merry Pranskters للمخرج كين كيسي وحافلتهم فورثور وشعبية رحلات الحافلات (الحافلات) في جميع أنحاء إنجلترا ، مما أدى إلى مؤامرة حرة على أساس نفس الأفكار. نظرًا لأن المجموعة لم تعد تقدم عرضًا مباشرًا ، كان من المنطقي منح معجبيهم فيلمًا آخر. كان لدى مكارتني بعض الأفكار حول النص ، لكن ذلك سيكون حيال ذلك. ذكر رينغو ستار، "كان لدى بول قطعة ورق رائعة - مجرد قطعة بيضاء فارغة عليها دائرة. كانت الخطة: "نبدأ من هنا ، وعلينا أن نفعل شيئًا هنا".


قدمت باتي بويد جورج هاريسون إلى تعاليم يوغي

التالية البيتلزالجولة الأخيرة في عام 1966 بدأت الفرقة بتجربة المخدرات وأنواع مختلفة من الآلات والفلسفات الجديدة. سافر جورج هاريسون وزوجته باتي بويد إلى الهند في أواخر الستينيات حيث خطط هاريسون لدراسة السيتار مع رافي شانكار. أثناء وجودها هناك ، وجدت بويد نفسها في اجتماعات عقدتها حركة التجديد الروحي ، وهي مجموعة استخدمت تقنيات تأمل مهاريشي ماهيش يوغي.

في سيرتها الذاتيةتقول بويد إنها أعجبت بما تعلمته من المجموعة ، وأنها نقلت المعلومات إلى هاريسون. في ذلك الوقت ، كان "البيتلز الهادئ" يفكر في علاقته بالمخدرات التي تغير العقل. لقد كان يستخدم عقار إل إس دي بشكل متكرر وتساءل عما إذا كان يفعل أي شيء له. بعد رحلة إلى هايت اسبري في عام 1967 أصيب بخيبة أمل من ثقافة المخدرات الهبي بعد عودته إلى إنجلترا هو و جون لينون قرر كلاهما التوقف عن استخدام LSD وبدأا في النظر إلى الداخل للعثور على شيء جديد.


12 رمزًا جنسيًا نهائيًا في الماضي لن ننسى أبدًا

يحتاج الجميع إلى قدوة - أشخاص يمكننا أن ننظر إليهم ونحاكيهم مثل قادة العالم ، وجراحي الدماغ ، وعبقرية الهندسة المعمارية ، والمعالجات الرياضية ، والفنانين ، وعلماء الصواريخ ، والكتاب. رموز الجنس.

يبدو أن مواكبة جسد كيم كارداشيان العاري مدرج في قائمة مهام الجميع. (لماذا سترتدي بدلة عيد ميلادها كل أسبوعين إذا لم ننظر؟) رموز الجنس رائعتين. لدينا مفضلاتنا بما في ذلك جيسيكا سيمبسون ، وكيت أبتون ، وجنيفر لوبيز ، وبينيلوبي كروز ، وجيزيل بوندشين ، على سبيل المثال لا الحصر.

للتسجيل ، نحن لسنا كذلك الآن اكتشاف الرموز الجنسية. لقد كانت موجودة منذ قرون (على الأرجح منذ 50 قبل الميلاد أعتقد كليوباترا) لذلك دعونا نلقي نظرة على بعض النساء اللائي أطلقن النار على المسار الحديث في الخمسينيات والستينيات والسبعينيات عندما أصبح الثدي هاجسًا وطنيًا و بلاي بوي كانت المجلة هي السر الصغير القذر لكل رجل. لقد قطعت النساء شوطا طويلا يا حبيبي. لكن يبدو أن الرجال لا يزالون مدفوعين بالأحضان. إذن ، هناك 12 رمزًا جنسيًا أصليًا يمكننا أن نشكره على وضع تلك الأفخاخ المتفجرة (مع استثناء واحد في المزيج).

مارلين مونرو

مارلين مونرو هي أسطورة جنسية جنسية لسبب وجيه. إلى جانب ظهورهم في العدد الافتتاحي من مجلة "بلاي بوي" ، فقد أصبحوا أول "حبيب في الشهر" (تغير إلى "زميل اللعب في الشهر بعد ذلك) في عدد ديسمبر 1953 من المجلة المثيرة للجدل (آنذاك) ،" Gentlemen Prefer أصبحت ممثلة الشقراوات أول "شقراء غبية" جادة. خلق جمال مونرو وشخصيتها الحسية ضجة كبيرة عندما غنت "عيد ميلاد سعيد ، سيدي الرئيس" للرئيس جون كينيدي في احتفال بعيد ميلاده الخامس والأربعين. تحقق من ذلك هنا بشكل مثير للصدمة ، توفيت ممثلة "Some Like It Hot" في 5 أغسطس 1962 عن عمر يناهز 36 عامًا.

جين مانسفيلد

كما أن جين مانسفيلد ، الذي أصبح واحدًا من أفلام هوليوود الشقراء الأصلية ، قام أيضًا بلعب صورة "الشقراء الغبية" وأصبح معروفًا في بعض الدوائر باسم "مونرو الرجل العامل". حظي رمز الجنس الشهير في الخمسينيات والستينيات بالنجاح على مسرح برودواي ("هل سيفسد النجاح صياد الروك؟") وكذلك في أفلام هوليوود ("الفتاة لا تستطيع مساعدتها"). التوافه الممتعة: "حصلت مانسفيلد على خط نصفي يبلغ 41 بوصة وخصر 22 بوصة عندما ظهرت لأول مرة في برودواي عام 1955. كانت تُعرف باسم Cleavage Queen." تزوجت مانسفيلد ثلاث مرات ولديها خمسة أطفال (الممثلة ماريسكا هارجيتاي هي طفلها الرابع) ، لقيت مانسفيلد مصرعها للأسف في حادث سيارة في 29 يونيو 1967 عن عمر يناهز 34 عامًا.

راكيل ولش

كانت راكيل ولش من بين الرموز الجنسية الأكثر شهرة في الستينيات والسبعينيات من القرن الماضي ، مما جعلها على رأس بعض القوائم المثيرة جدًا: وفقًا لويكيبيديا "تم اختيار ويلش بواسطة مجلة امباير كواحد من أكثر 100 نجمة جاذبية في تاريخ السينما. بلاي بوي مجلة اسمها ويلش لا. رقم 3 في قائمة أكثر 100 نجمة جاذبية في القرن العشرين. في عام 2011، صحة الرجل مجلة صنفها لا. في المرتبة الثانية في قائمة أكثر النساء إثارة في كل العصور. "لا تزال الممثلة البالغة من العمر 74 عامًا تبختر أغراضها على السجاد الأحمر ، مع ملاحظة أن النساء في السبعينيات من العمر ما زلن صخورن!

بريجيت باردو

من الصعب تصديق أن بريجيت باردو ، "القطة الجنسية" السابقة ، تبلغ من العمر 80 عامًا! أصبحت العارضة والممثلة والمغنية والناشطة في مجال حقوق الحيوان الفرنسية الحسية رمزًا جنسيًا بارزًا في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي ، ويرجع ذلك إلى حد كبير إلى زوجها الأول ، المخرج روجر فاديم (الذي سيتزوج لاحقًا من جين فوندا) ، الذي عرضها في فيلم عام 1956 "وخلق الله المرأة". على الرغم من أن الزواج لم يدم ، فقد استمرت حياتها المهنية لسنوات عديدة ، حتى تقاعدها من صناعة الترفيه في عام 1973. تم التعرف على بعض الممثلات على الفور بأسمائهن الأولى. كانت باردو معروفة بالحرفين الأولين من اسمها: BB.

لانا تيرنر

كان من المفترض أن يكون لسترات الممثلة لانا تورنر نجمة خاصة بها في ممشى المشاهير في هوليوود. كانت ممثلة "تقليد الحياة" واحدة من أوائل الجميلات المشهورات اللائي أدلن ببيان أزياء من خلال ارتداء سترة ضيقة لإبراز خط تمثال نصفي لها ، وبالتالي حصلت على لقب "الفتاة ذات السترة" (وهو لقب يُقال إنها مكروه). استفادت تيرنر من شخصيتها المتعرجة طوال حياتها المهنية. تم ترشيحها لجائزة الأوسكار لأفضل ممثلة عن دورها في فيلم 1957 "Peyton Place".

جينا لولوبريجيدا

هذه الممثلة الإيطالية ، التي كانت واحدة من أكثر الممثلات الأوروبيات شهرة في الخمسينيات والستينيات من القرن الماضي ، لم تكن تخشى التباهي بشخصيتها الكاملة عندما دعا فيلم لممثلة حسية. ظهرت الممثلة البالغة من العمر 87 عامًا في أفلام مع أمثال يول برينر وفرانك سيناترا وروك هدسون وأنتوني كوين وبيرت لانكستر. قال همفري بوجارت ذات مرة: "جينا تجعل مارلين مونرو تبدو مثل شيرلي تمبل". ماما ميا!

آن مارجريت

وُصفت آن مارجريت بأنها "الفتاة المجاورة" و "القطة الجنسية". اشتهرت الممثلة والمغنية والراقصة البالغة من العمر 73 عامًا بأدوارها في "Bye Bye Birdie" و "Viva Las Vegas" (حيث مزقت هي وإلفيس الشاشة بجاذبية جنسية!) و "The Cincinnati Kid" ولواحد من أكثر أدوارها إثارة في "المعرفة الجسدية". لذا ، ما مدى جاذبيتها؟ وصفت ذات مرة بأنها "النسخة الأنثوية من إلفيس بريسلي". تحدثت ذات الرأس الأحمر من Valsjöbyn في السويد دائمًا بنبرة ناعمة ومثيرة ورهينة حددت جاذبيتها الجنسية الهائلة. تحقق من ذلك هنا.

إليزابيث تايلور

أصبحت إليزابيث تايلور واحدة من أشهر ممثلات السينما في كل العصور واعتبرت واحدة من أجمل النساء اللواتي تزين الشاشة الكبيرة على الإطلاق. لم تمر جاذبيتها الجنسية دون أن يلاحظها أحد في أفلام مثل "Cat On A Hot Tin Roof" و "كليوباترا". كانت تايلور قادرة بطريقة ما على الجمع بين صورة المرأة القوية الممزوجة بجاذبيتها الجنسية على الشاشة.

صوفيا لورين

هل كان هناك رجل في هذا الكون لم يسيل لعابه عند رؤية هذا الرمز الجنسي الإيطالي في الخمسينيات والستينيات وما بعدها؟ لقد غذت لهجتها الإيطالية الناعمة الشرارات الحسية التي تنبعث منها على الشاشة وخارجها. لم تؤذي شخصية الساعة الرملية صورتها أيضًا ، وجعلت موهبتها التمثيلية شخصيتها المثيرة أكثر إغراءً. حصلت لورين على جائزة الأوسكار لأفضل ممثلة عام 1962 عن فيلم "امرأتان". الثمانيني المثير يبلغ من العمر 80 عامًا وعازب. أيها السادة ، ابدأوا محركاتكم!

جاكلين بيسيت

تنبيه القميص المبلل. فقط في حال نسيت من بدأ جنون القميص المبلل ، فلا داعي لمزيد من البحث. بعد استمالة الجماهير في أواخر الستينيات وأوائل السبعينيات بأدوار سينمائية مختلفة ، قرر بيسيت أن الوقت قد حان لجذب بعض الاهتمام الجاد من الجماهير الأمريكية من خلال السباحة تحت الماء مرتديًا فقط قميصًا للجزء العلوي في فيلم "The Deep" ، مما يساعد على جعل فيلم نجاح شباك التذاكر. وبحسب ما ورد قال المنتج بيتر جوبر ، "لقد جعلني هذا القميص رجلاً ثريًا." وقد أدت هذه الحيلة الصغيرة إلى جعل الكثيرين ينسبون إليها الفضل في الترويج لمسابقة القمصان المبتلة ".

أورسولا أندريس

عسل. عسل رايدر. كان عام 1962 عامها. أصبحت ممثلة "دكتور نو" أول "بوند جيرل" وجعلت مدخل شاشة البكيني المبلل لها مشهدًا للنظر فيما "أصبح لحظة مميزة في تاريخ السينما والموضة عندما خرجت من البحر الكاريبي مرتدية البكيني الأبيض. سكين غوص كبير على وركها ". لم يكن للبيكيني مقدمة أفضل من قبل ، ونحن نراهن على أن الممثلة البالغة من العمر 78 عامًا لا يزال بإمكانها إحداث موجات.

فرح فوسيت

أخيرا. كان كل شيء عن الشعر! لم يكن أحد في تاريخ الترفيه أكثر شهرة من فرح فوسيت برأس الشعر. أصبحت ممثلة "ملائكة تشارلي" اسمًا مألوفًا في عام 1976 بعد أن قامت بدور جيل مونرو في المسلسل التلفزيوني الشهير ABC. وبعد ذلك كان هناك الملصق! عرضت شركة Pro Arts Inc. فكرة ملصق FF على وكيل النجم ، وأنت تعرف بقية القصة. أصبح هذا الملصق أفضل ملصق مبيعًا في ذلك الوقت ، حيث بيع أكثر من 20 مليون نسخة. الآن هذا ملاك مثير.


الرموز الجنسية والجنرالات والبوهيميون: نظرة على صحيفة التابلويد التي استحوذت على نشوة إسرائيل بين الحروب

في السنوات بين حربي الأيام الستة ويوم كيبور ، خذل هذا البلد شعره حقًا. كانت مجلة Ha'olam Hazeh مؤرخة مؤمنة لتلك الأوقات الخائنة. ذكريات الأيام الأخيرة من بومبي ، على الطراز الإسرائيلي.

قال العنوان الرئيسي في آذار (مارس) 1973 في المجلة الأسبوعية "هولام هزيه": "موشيه ديان مقابل موشيه ديان: معركة كولونيا". تظهر في منتصف الصفحة زجاجات من عطر موشيه ديان بعد الحلاقة وكولونيا ، والتي تم طرحها في السوق قبل بضعة أشهر. بما يتناسب مع الاسم ، كانت الزجاجات تحتوي على خطوط رجولية للغاية ، وظهرت على الملصق الملف الشخصي المألوف والشعار "اسم لا ينسى".

لم تكن هذه مبادرة تجارية من قبل وزير الدفاع آنذاك - النجم الكبير في ذلك الوقت. كانت من بنات أفكار مدير تنفيذي في مجال الإعلانات يبلغ من العمر 35 عامًا يُدعى أيضًا موشيه ديان ، الذي أثار استياء دايان "الكبير" ، وقد بدأ العمل لحسابه.

يقول دايان "الصغير" ، الذي يحاضر الآن في مواضيع مختلفة وهو نحات: "حتى عام 1972 كنت أعمل كمدير إعلانات في هيلينا روبنشتاين ، وكان اسمي معروفًا جيدًا في مجال مستحضرات التجميل". "كان من الطبيعي أنه بعد أن غادرت هناك ، سنحت لي فرصة عمل: جاءني اثنان من أصحاب متاجر مستحضرات التجميل لمساعدتهم على ابتكار عطر للرجال. عرضوا علي المال مقابل استخدام اسمي أو الأسهم ، واخترت الأسهم. في الماضي ، كانت خطوة غبية ".

"اخترنا عطرًا ، وصممنا ملصقات جميلة ، وذهبنا إلى إيطاليا واخترنا زجاجة بمظهر ذكوري. بروح العصر ، أردنا أن نبنيها على رسالة عسكرية - أردت بالفعل تصميم زجاجة على شكل قنبلة يدوية! كان لديان صورة قائد ، صورة تقول النصر. تمكنت من بيع 4000 وحدة في ألمانيا و 4000 وحدة أخرى في جنوب إفريقيا. لكن عندما بدأنا الإعلان في إسرائيل ، بدأت في تلقي رسائل من محامي وزير الدفاع والمتحدث باسم وزارة الدفاع ، تهدد باتخاذ إجراء قانوني ".

كان معلن دايان يخطط لرفع القضية إلى محكمة العدل العليا ، "لكني قللت من قوة ديان. بعد بضعة أشهر من بدء بيعه ، تلقيت رسائل من جنوب إفريقيا وألمانيا تفيد بإلغاء عقودهم معنا. لقد علقت بزجاجات بعد الحلاقة وكولونيا. لا يزال لدي البعض في المنزل ".

إذا نظرنا إلى الوراء الآن ، يبدو أن هذه الحكاية المسلية تجسد روح عصرها: الإعجاب الجامح بقائد الجيش والاستعراضات العسكرية ، والمآثر الجنسية وكل ما تجسده ديان - ربما أكبر رمز لتلك الفترة قبل حرب يوم الغفران -.

إن الاطلاع على قضايا ما قبل حرب 1973 من هاولام هزيه - على الأقل الأجزاء غير المعنية بالسياسة - يكشف عن حقيقة مدهشة للغاية للقارئ المعاصر. المجلة مليئة بقصص الشؤون الجنسية ، والقيل والقال ، وشهوة الحياة بلا حدود ، وأجندة كانت تدور حول لفت الأنظار إلى العالم. غطى الكتاب جميع أنواع الحفلات الصاخبة ، والجنرالات الفظيعين ، والفتيات الفاتنات اللواتي قمن بتبادل "الصديقات الإناث" والأزواج بمعدل مذهل.

يتذكر محرر هاولام هزيه منذ ذلك الوقت ، أوري أفنيري: "كانت تلك الأيام الأخيرة من بومبي". "لم يعتقد الناس الذين يعيشون في بومبي أبدًا أن بركانًا على وشك الانفجار ، تمامًا كما لم يحلم المحتفلون في تل أبيب أبدًا بأن فرحتهم على وشك الانتهاء."

"ثقافة الطهي الإسرائيلية ، التي تكتسب أهمية أكبر في حياة الإسرائيلي العادي ، تحصل على إضافة جديدة هذا الأسبوع" ، كما قرأ العنوان الفرعي لمقال نشر في 10 كانون الثاني (يناير) من ذلك العام في المجلة عن دليل للنبيذ تم نشره للتو بواسطة الصحفي في هآرتس يوئيل ماركوس. احتوى الكتاب على مسرد لمصطلحات النبيذ وشرحًا لأنواع مختلفة من النبيذ ، تم استبعادها جميعًا من سنوات ماركوس كمراسل في باريس. كما تضمنت المقالة بشكل مفيد بعض الإرشادات لمساعدة القراء على "التحدث بذكاء عن النبيذ".

ابق على اطلاع: اشترك في النشرة الإخبارية لدينا

ارجوك انتظر…

شكرا لك على التسجيل.

لدينا المزيد من النشرات الإخبارية التي نعتقد أنها ستجدها ممتعة.

أووبس. هناك خطأ ما.

شكرا لك،

عنوان البريد الإلكتروني الذي قدمته مسجل بالفعل.

يتذكر ماركوس اليوم "في إسرائيل في ذلك الوقت كان هناك نوعان فقط من النبيذ - حامض وحلو". "كان النبيذ الحلو نبيذ أحمر وكان تحت كل الانتقادات. كان الحامض - النبيذ الأبيض - في حالة سكر مع الصودا. لقد كتبت عن النكهات المختلفة ، وكيفية شرب الخمر ، وأنواع الأكواب ".

لماذا بعد ذلك؟ ما الذي حدث في ذلك الوقت ودفعك للخروج بالكتاب؟

"بصراحة ، الكتاب لم يبيع هذا العدد الكبير من النسخ ، ربما 3000 ، والجزء الذي تحدثت فيه عن السوق الإسرائيلية كان صغيرًا جدًا. في ذلك الوقت ، نشر عاموس كينان كتابه عن الملذات ، وإذا كان عليّ أن أفكر فيه حقًا ، فسأقول إن الفترة بين حرب الأيام الستة وحرب يوم الغفران كانت فترة عاشها الناس فيها. فوق. افتتحت مطاعم مربي الحيوانات وخرج الناس أكثر. كنا مشهورين ، وبدأ استيراد النبيذ من الخارج إلى إسرائيل. اليوم من الممكن الحصول على أجود أنواع النبيذ في إسرائيل ، ناهيك عن جميع المنتجات المحلية الممتازة الأخرى. ولكن لم يكن هذا هو الحال في ذلك الوقت. كان كتابي كتابًا دراسيًا ".

كان الجو الاحتفالي واضحًا بعد أيام من ذلك في شهر يناير ، في حفل الزفاف الفخم الذي حظي بدعاية كبيرة للزوجين النجميين عام 1973 ، الممثلان يونا عليان وساسي كيشيت. الزوجان اللذان وقعا بجنون في حب موقع تصوير فيلم "نوريت" تزوجا في يوم شتاء عاصف. المراسل "راشيل القيل والقال" ، الملقب بشولا ياريف (لاحقًا تافور ، بعد زواجها من الصحفي إيلي تافور ، مؤسس Ha'olam Hazeh) ، شعرت بالشعر. كتبت ، واصفة ما حدث في فندق بان أمريكان الجديد على شاطئ بات يام: "أسدان عملاقان أخضران ، مصنوعان من السمن المتجمد ، يقودان عربة ضخمة مليئة بالفاكهة". "السمك الكبير ، المصنوع أيضًا من المارجرين ، كان بمثابة نافورات لحوض السمن."

في نهاية الانتشار المزدوج المليء بالصور ، كتبت بشكل لاذع: "من المؤكد أن المحتفلين بهذا الحدث الكبير يتناسبون مع خلفية هوليوود: كلاهما نجمان ، وكلاهما رائع ، وكلاهما ساحر. كان فوق رؤوسهم ملصق من فيلم "نوريت" - مصنوع من السمن النباتي بالطبع ".

يتذكر عليان الآن: "في صباح يوم الزفاف تم الإعلان عنه في الأخبار ، وكنا في حالة صدمة - لم نكن نعرف أنه سيكون على هذا النحو". تتذكر عنوان "زفاف المارجرين" ، تضحك. "تزوجنا في فندق وضع حفل الزفاف مجانًا للدعاية. لم نتدخل وقاموا بالاستقبال وزينوه بمنحوتات المارجرين - منحوتات مرجرين كبيرة حقًا. لقد كان نوعًا من الفن في ذلك الوقت وأرادوا مفاجأتنا ، لكننا لم نكن على دراية بأي مما تم التخطيط له أو اعتقدنا أن حفل الزفاف سيحدث مثل هذا الانطباع الكبير. في ذلك الوقت لم يكن هناك الكثير من المشاهير ، كانت النسب مختلفة ، لأنه لم يكن هناك سوى القناة الأولى وعدد قليل من الأفلام التي ذهب الجميع لمشاهدتها - كل شيء حصل على تقييمات 100٪.

يتابع عليان: "وقع حبنا في موقع التصوير ، وكل ما حدث بعد ذلك ، نال الكثير من التغطية ، لكن ليس بسببنا". "هربنا ، وسافرنا إلى الخارج. الانكشاف والحب الذي تلقيناه - كان كل ذلك أكبر بكثير. بين حرب الأيام الستة وحرب يوم الغفران كانت فترة طبيعية. عشنا في الجنة. كل شيء كان رائعا وكنا الأفضل. ليس مثل أي شخص آخر - كنا الأفضل على الإطلاق ، وكان كل شيء هو الأفضل والأكثر. لم أستطع السير في الشارع بسبب كل الحب. لقد أطلقوا علينا "الآلهة" ، وليس المشاهير. الآلهة. "

ربما كان هذا الفضول حقًا هو ما تحدث عنه عليان والشعور بالبهجة بالفرح ، أو ربما كان شيئًا آخر يميز Ha’olam Hazeh - والذي ، في إستراتيجية تسويق ذكية ، مزج النقد السياسي القاطع بالمقالات الشعبية والعري.

وصول أسرة الماء

ذكرت قطعة طويلة في هولام هزيه ، أُغلقت في نهاية المطاف في عام 1993 ، عن وصول أحواض المياه إلى إسرائيل. بعد أن حققوا نجاحًا كبيرًا في أمريكا في العام السابق ، بدأ طالبان في استيرادهما هنا في عام 73. ما كان ظاهريًا مجرد مقال عن منتج استهلاكي جديد ساعد في بيع الأوراق التي تحتوي على صور لأشخاص شبان يرتدون ملابس ضيقة على السرير ، بروح الحب الحر. كتبت المجلة ، واصفة الحوار بين أحد رواد الأعمال وصديقته ، بعد "ليلة من المتعة على سرير مائي مزدوج" ، "إن Waterbeds شيء جيد ، أليس كذلك؟" "" وكلانا يعرف ذلك. وإلى جانب أحواض المياه ، فأنت تحب إسرائيل أيضًا - فلماذا لا يكون الاثنان معًا؟ "

تمتلئ الأعداد بصور العارضات الصاعدات في ذلك الوقت: تشيلي غولدنبرغ و "الطالبة في الصف الثاني عشر" تسيبي ليفين (والدة بار رفائيلي). يعرض عمود Rachel the Gossip صورًا لجميع أنواع ملكات الجمال من ملكات الجمال التي يبدو أنها تحدث كل يوم. تم الإبلاغ عن الرومانسية بين المغنية عارضة الأزياء داليا لافي والأصغر بكثير مايك برانت ، المغني الشعبي ، كأخبار ساخنة ، وكذلك زواج تزادوك كراوس (شقيق الموسيقار شموليك) والمضيفة راشيل بيري ، تايري سابقًا ، التي اشتهرت بها. علاقة غرامية مع ليونارد كوهين. "كنت سأذهب لاصطحابها من المطار ، فقط لأجد أنها لم تصعد على متن الطائرة لأن ليونارد قد جاء في اللحظة الأخيرة ليأخذها ،" يقول كراوس اليوم ، عن زواجهما. "لقد كان ذلك الوقت المجنون في السبعينيات. وكانت شخصية حرة للغاية. كانت تعيش في لوس أنجلوس منذ 33 عامًا ".

في أواخر شباط (فبراير) 1973 ، نشرت المجلة تقريراً عن البقعة الساخنة الجديدة المجاورة لما يُعرف الآن بساحة رابين في تل أبيب: مطعم جاكي ، الذي يرتاده الحشد البوهيمي ، فضلاً عن رجال الأعمال وضباط الجيش وفتيات البهجة. تزين صورهم الصفحة: "المطعم الذي اغتصب كاسيت هو المكان الذي يجب أن يُرى فيه كل" من هو "- خاصةً من المجموعة النسائية - بعد ظهر يوم الجمعة".

"لقد كان وقت الحانات والنوادي والخروج. يتذكر المنتج ميشا شوفستين "كان هناك جو معين في ذلك الوقت". ”جو من الاستغناء عن الذهاب. تم افتتاح النوادي وأماكن الحياة الليلية الساخنة ، وكان كل الأشخاص الجميلين والنزوات ، كان الجميع يتجولون نصف عراة. كان جو من الحرية الكاملة. في جاكي كان لديك ضباط جيش ، رجال بالمال ، ونساء جميلات. كان عمري أكثر من 20 بقليل وكنت أذهب إلى هناك. أعتقد أن هولام هزيه حصل على الأجواء المناسبة. وصلت المجلة كل يوم خميس وكنا ننتظرها. كان موشيه ديان هو النجم ، وكذلك غاندي [رحبعام زئيفي]. كان الضباط آلهة. كان كل الجنرالات يرتدون الزي العسكري في النوادي ولا يدفعون. كانوا يدعونهم للدخول. كانوا المشاهير الحقيقيين في ذلك الوقت ".

في أوائل عام 1972 ، ظهر فيلم "Last Tango in Paris" وأثار ضجة كبيرة. كانت هناك تقارير حول كيفية تهريب النسخة غير المصقولة من الفيلم إلى نيويورك من إيطاليا ، حيث لم تكن هناك رقابة. كانت هناك قصص عن المشاهد الشهيرة والممثلين والمخرج. بعد بضعة أشهر ، في 14 أبريل ، نشرت المجلة مقالًا كبيرًا يتألف من ردود فعل المشاهدين المحليين على الفيلم ، والذي كان مفاجئًا أنه عُرض في إسرائيل في استوديو سينما تل أبيب ، دون أن يقطع الرقيب مشهدًا واحدًا. . تراوحت الردود من "هكذا تسير الأمور في الحياة" ، من حاييم أهارون البالغ من العمر 25 عامًا ، إلى "ما كل هذا في المؤخرة؟" - رد الفعل المروع من ميتكا أهارون أثناء مغادرتها السينما.

يتذكر الناقد السينمائي في صحيفة "هآرتس" أوري كلاين ، "لقد كان ضجة دولية هائلة". "لقد كان بالتأكيد الحدث السينمائي في ذلك العام. في إسرائيل أيضًا ، أثار ذلك الكثير من الإثارة. كان هناك الكثير من الحديث عن مشهد الزبدة وكان هناك حديث ، لكنه كان في الأساس إحساسًا ، حدثًا. من الصعب التفكير في فيلم آخر لأن ذلك تسبب في هذا النوع من الإثارة ".

يتابع كلاين: "في ذلك الوقت ، لم تصل كل الأفلام المهمة لهذا العام إلى إسرائيل. هذا لم يحدث بعد. تم افتتاح السينماتك [في تل أبيب] في عام 1972 فقط ، وفي نفس العام بدأ قسم دراسات السينما في جامعة تل أبيب. لقد كان وقت ازدهار السينما في إسرائيل ، وهو وقت ذو أهمية تاريخية - لديك الآن مؤسسة يمكنك فيها دراسة السينما ، ومؤسسة حيث يمكنك مشاهدة أفلام مهمة. قبل ذلك ، كانت هناك نوادي أفلام ، لكن كل ذلك كان عشوائيًا ومصادفة ، ولم يكن مؤسسيًا ".

وفجأة كان هناك شعور "نحن جزء من العالم"؟

"على الاطلاق. أتذكر أيضًا الإثارة التي أحاطت بعرض فيلم "العراب" ، والذي ظهر في نفس الوقت تقريبًا. شعور بأن الأشياء كانت تحدث ".

هذا الشعور بأننا كنا في مكان واحد مع العالم ورسائل تلك السنوات - الفضول والتمرد ، وثقافة الشباب الجريئة ، ورولينج ستونز والبيتلز - وجد تعبيرًا في إسرائيل أيضًا. ولكن ربما يكون من الأدق القول إنها كانت قوة معاكسة لموقف الانعزالية والحماية الذاتية للسنوات التي سبقت الانتصار في حرب الأيام الستة عام 1967.

يمكن العثور على أحد جوانب هذا الاتجاه في رواية الصحافي داهن بن أموتز "Lo Sam Zayin" ("لا تعطي لعنة") عام 1973 ، والتي أصبحت من أكثر الكتب مبيعًا بين الشباب. "بعد أسبوعين فقط من نشره ، وعلى الرغم من السرية التي أحاطت بظهوره ، يعد الكتاب بأن يكون واحدًا من أكثر الأعمال الأدبية التي تم الحديث عنها في العام". يبدو أن إعلان هولام هزيه مستمد من المبيعات المثيرة للإعجاب للكتاب بالنظر إلى موضوعه - جندي مقاتل جريح ، معاصر لموقّعي رسالة كبار السن بالمدارس الثانوية الذين يشكون من عدم بذل حكومة غولدا مئير جهود السلام. مليء بالأفكار الهرطقية للجندي ضد الجيش والحرب. وبعنوانه الذي لا لبس فيه ، كان الكتاب أيضًا استفزازًا سياسيًا وصراعًا بين الأجيال.

يشرح ليفي زيني ، مخرج الفيلم الوثائقي عن بن أموتز ، بعنوان "دابا: قصة أيقونة إسرائيلية ”كان ليفي هو نفسه مراهقًا في ذلك الوقت. "لقد تجرأ على طرح الأسئلة. لقد كان اختبارا حذرًا للحدود الوطنية ، وقد عبر عنها بن أموتز. التهم أطفال جيلي الكتاب بشغف ، لأنه أعطى صوتًا لأسئلتنا ولأنفسنا الفردية. فجأة بدا أن هناك مكانًا لما نحن عليه. كان يناسب روح العصر ".

كنا نوعا ما مجموعة ، راديكالية بعض الشيء ، سياسية. يتذكر عامي أمير ، وهو الآن منتج تلفزيوني ، وأحد الجماعات الشابة التي تجمعت حول بن أموتز ، "لقد أحدثنا ضوضاء". كنا نتسكع حول كاسيت ، وذات يوم التقينا [الكاتب] عاموس كنان. هذه هي الطريقة التي وصلنا بها معه ومع بن أموتز ".

كان الكتاب عنكم جميعا؟

"الكتاب لا يصور الوقت. Ben-Amotz had to return to the army, he needed to exploit his hero’s disability to explain his heretical views. It was a banal reason, and meanwhile it was the time of the Greater Land of Israel − we’re kings of the world and anything goes. Our group was against that. We objected to that, and Ben-Amotz did, too. He saw something in us that he could identify with.”

Song and dance

In the early spring, the magazine reported that “a private businessman has volunteered to fund Israel’s representation in Europe − since the Israel Broadcasting Authority did not find the budget to do so.” It was referring to the Eurovision Song Contest of that year − the first year Israel participated − and Daphna Tours’ offer to pay to fly singers Ilanit, Shlomo Zach and Nurit Hirsch to the competition in Luxembourg.

“In 1972, I worked with Shlomo Zach in Germany, and I was approached and asked to represent Germany,” says Ilanit, who represented Israel in the competition and came in fourth with the song “Ey Sham” ‏(“Somewhere”‏). “I happened to see Israel on the lists of countries eligible to take part in the competition, and I contacted the Broadcasting Authority.”

It was already too late for 1972, and a year later the trip was nearly canceled due to funding problems, which the singer herself solved: “I went and did an ad for the travel agency Daphna Tours, and they put the picture on the cover of Lahiton [a weekly music magazine]. The agency paid for our flights − for me, Shlomo and Nurit − but there wasn’t money for the backup band, so I sang alone. I performed there without a band I got the dress from [designer] Roji Ben Yosef, and there was a whole story with the judges, too. According to the rules, two judges from each country were supposed to be there on stage − one senior and one junior − but the Broadcasting Authority didn’t have money to send judges. The [Channel 1] correspondent in Paris, Nakdimon Rogel, was recruited for the job, he brought his son with him, and that’s how Israel had its two judges.”

The 1973 Eurovision Song Contest was apparently one of the most-watched broadcasts in Israeli history: The streets were deserted that night, when the competition was being aired live for the first time, and beautiful, golden-haired Ilanit attracted the attention of the foreign media and forecasts for greater things.

On Israel’s 25th Independence Day, things looked good. Prime Minister Meir was interviewed on television and asked about the possibility of Egyptian aggression. In February 1973 Israel had downed a Libyan passenger jet that mistakenly entered Sinai airspace, and Golda blew a puff of smoke from her cigarette and replied to the interviewer: “If [Egyptian President Anwar] Sadat is thinking of messing with us, he should ask [Libyan leader Muammar] Gadhafi whether it’s worth it.”

In June 1973, the wax museum Armon Shalom opened in Tel Aviv’s Shalom Tower, and the ads for it starred the figures of Golda Meir and Moshe Dayan − more prominent personalities than even singer Yehoram Gaon, the big star of the period. Edna Lev’s “You and I were Born in ‘48” won that year’s Israel Song Festival, and Shlomo Artzi’s “The Song About the Land of Sinai” was playing frequently on the radio.

“There was great love for Israel then, and in Israel, too, people felt invincible and complacent,” says Ilanit.

“The whole early ‘70s was a time of cultural ferment,” adds Zini. “There was the Lul [comedy] troupe, and [poets Yona] Wallach and [Meir] Wieseltier, [artist] Jacques Katmor and [poet-writer] David Avidan, and everyone experimenting with drugs. It was like this giant valve had been released − this great discovery that there was a world outside that was trickling in to us here. It was the most marvelous cultural era ever here. A fantastic burst of creativity.”

“In retrospect, it was like everyone was going wild,” reflects Shula Yariv ‏(aka Rachel the Gossip‏) today. “People were carried away. There was this new openness and sexual permissiveness. And, by the way, I don’t think they were doing anything then that isn’t done today it’s just today it’s not reported on. There are stories, they’re just not being told. Maybe that’s something that’s happened since then. When the [Yom Kippur] war came it shattered everything. So it’s not that there were no more stories, but who felt like hearing them anymore? Who felt like telling them?”

Adds Avnery: “I called this period the ‘ship of fools,’ and it was a war between the two wars. The entire country was in a state of euphoria, the military officers were gods and the supreme god was Moshe Dayan. There was a general air of optimism: Our power was unlimited, our army was unbeatable and we could do whatever we pleased. It was reflected in everything − in poetry and art − until the Yom Kippur War came and put an end to it. We at Ha’olam Hazeh reflected the life around us, and the life of the bohemian crowd in Tel Aviv, of the cultural leaders, was carefree and pleasant. It really was.”

Total liberation? Permissiveness?

“Moshe Dayan was God, an international sex symbol, and tales of his sexual exploits were famous around the world. A cause for admiration. Dayan was the symbol of the time, and he embodied its spirit. You don’t find that anymore. The war put an end to that special time, a very fertile time in many ways, and it’s gone now.”

You make it sound like everything changed all at once.

“The Yom Kippur War changed the public atmosphere − or call it the public culture − all at once. The day after the war, it was a different Israel from that standpoint. The nightclubs emptied out, the whole thing came to a halt. I lived above Frederika’s nightclub at the time, and I often used to stop in there for a drink after work. From the time the war began [October 1973], all the nightlife was shut down. It was all over: the promiscuity and the sex, the whole ethos of the invincible army, the all-powerful Israeli supermen. The days of great joy did not return. In a certain sense, the present days of joy and euphoria are also the last days of Pompeii, just different ones.”

“The joy then came from excessive self-confidence. There were cultural figures and generals that everyone admired, and glamour girls. That doesn’t exist today because it’s not the same society anymore. What is similar is that feeling of the last days of Pompeii. Israeli society is closing its eyes so as not to see what’s right in front of it, but the self-confidence of that earlier time is gone now.”

Not so much the last days of Pompeii as: Eat and drink, for tomorrow we die?

“Like partying on the Titanic as we’re heading for the iceberg.”

Dahn Ben-Amotz. Yakov Agor Sassi Keshet and Yona Alian. Yakov Agor Ilanit. Yakov Agor “Last Tango in Paris,” 1972. The uncut version was shown in Israel.


How the Beatles Became International Sex Symbols - History

Intercommunal violence on Cyprus - tensions between the Greek and Turkish communities on Cyprus erupt into sporadic outbreaks of violence, with the UN called in the keep the fragile peace

Three years of peace followed Cypriot independence in 1960. Beneath the peace, however, lay the resentment of some Greek Cypriots at the prevention of political union with Greece and a growing conflict between Greek and Turkish Cypriots over the bicommunal provisions of the constitution.

EOKA, a Greek Cypriot nationalist guerrilla organisation that fought a campaign for the end of British rule had officially disbanded and surrendered its weapons in 1959. In fact, however, many former EOKA members had retained their weapons, and some joined groups of armed irregulars. The Turkish Cypriot community responded to the growth of these groups by reviving the TMT (Turkish paramilitary) in early 1962.

In late November 1963, the president, Archbishop Makarios, introduced a proposal to amend the constitution in a way that would ensure the dominance of Greek Cypriots. In the tense atmosphere that ensued, a street brawl broke out on December 21 in Nicosia, between Turkish Cypriots and Greek Cypriot police. This fight was followed by major attacks by Greek Cypriot irregulars in Nicosia and Larnaca. Looting and destruction of Turkish villages forced many Turkish Cypriots to withdraw into defensible enclaves guarded by the TMT paramilitary. Fearful that Turkey might carry out its threat to invade, Makarios agreed to British intervention from its bases on the island.

On December 27 British troops assumed positions between opposing irregular units, and the fighting, which had claimed 100 lives on each side during the previous week, subsided temporarily. The cease-fire held in Nicosia, but by mid-February 1964 Greek Cypriot attacks at Limassol brought a renewed threat of Turkish landings. Britain appealed to the UN Security Council, and on March 4, 1964, the UN approved a resolution to establish an international peace-keeping force for duty in Cyprus.

In June 1964, the National Guard was formed by the Greek Cypriot government, which also instituted male conscription. The National Guard absorbed the various private armies into a single national military force loyal to the government and served as a deterrent to a Turkish invasion. Greek Army soldiers were clandestinely transferred to the guard on a large scale by midsummer the National Guard consisted of an estimated 24,000 officers and men, about half from the Greek Army. Grivas, thought to be the only man who could enforce discipline over the disparate armed Greek Cypriot factions, returned from Athens to command the National Guard.

Meanwhile, the Turkish Cypriot community, in its newly created enclaves, organized militarily under the TMT, supported by conscription of Turkish Cypriot youths. Turkish Army troops trained the Turkish Cypriot forces, totaling an estimated 10,000 fighters, and directed the defense of the enclaves. Outbreaks of fighting continued, although the presence of UN prevented them from erupting into major hostilities. In August 1964, the National Guard carried out a coordinated sea and land assault against Kokkina on the northwest coast, in an effort to cut off the major Turkish Cypriot supply line to the mainland. Heavy attacks by Turkish jet fighter-bombers, operating beyond the range of the Greek Air Force, halted the Greek Cypriot offensive. Several years of peace followed, while the two communities improved their military readiness.


Bardot was master songwriter Bob Dylan’s muse for a time as well. In fact, he dedicated the first song he ever wrote to Bardot. In his second album, he mentions her by name in “I Shall Be Free.”

Well, my telephone rang it would not stop
It’s President Kennedy callin’ me up
He said, “My friend, Bob, what do we need to make the country grow?”
I said, “My friend, John, Brigitte Bardot…”


From sex symbol to angel of the wards

تم نسخ الرابط

Julie in her modelling days

The obituaries for Norwegian Bond Girl Julie Ege, who died last month, swept in on a wave of seductive imagery. She was the poster-girl beauty of a generation and the stunning pictures from her raft of Seventies sex comedies provided a gallery of her charms that were celebrated with cinematic nostalgia.

The deserved recognition for her place on British film history’s timeline sold her short, though, for behind the saucy poses lies the remarkable story of a girl from a bicycle factory who became an international sex symbol, gave it all up and devoted her life to caring for others.

Julie’s astonishing life was dominated by a 22-year battle with cancer and a determination to support other sufferers through their dark days.

In 2001 with her daughters and grandson

Condolences have been flooding in to Julie’s Oslo home since her death aged 64 on April 29. There have been notes from film fans but also many from members of the public who viewed her as an inspiration for tackling cancer and empowering women across Scandinavia.

She discovered her breast cancer while revising for nursing exams and believes the knowledge from studying helped her to detect the disease early Sadly, though, this was was only the start as she then struggled with ovarian and lung cancer.

“We’ve been overwhelmed by the reaction from people whose lives she touched,” said her 29-year-old daughter Ella Ege Bye in an exclusive interview with the Sunday Express. “She got cancer at 42 and was always open about it. She also retrained to become a nurse in her 40s and that gave lots of women the confidence

“She was an incredibly beautiful woman but also a vibrant, caring person who had an impact on a generation of women. There was a different persona from the film star because she moved away from the bright lights to live in the country where she would make her own jams, grow vegetables and make her own clothes.

She was very independent and self-sufficient but then she could just transform and look so beautiful and glamorous.”

Ella, who is seven months pregnant, added: “It is so tragic that she has gone and she won’t be here

for the birth but her presence will never leave us. She had so much energy and one of the saddest parts of her getting ill was that she could not go out for walks in the country.”

Julie’s funeral took place in Norwegian capital Oslo last Friday and the congregation sang Imagine by John Lennon in a moving tribute.

She was working at a bicycle factory in the town of Sandness, south-west Norway, when her beauty was first noticed. She began modelling at 15, took the Miss Norway crown at 19, entered the Miss Universe competition and was soon travelling around the world. She married a Norwegian army officer and then a British dentist but both marriages failed.

Stardom really beckoned when she was picked for a part in the 1969 Bond film On Her Majesty’s Secret Service and she then almost trademarked the role of exotic temptress in a string of risqué films throughout the Seventies. She was pursued by high-profile actors and stars but she dated former Beatles confidant and record producer Tony Bramwell for seven years.

“She was the love of my life. She was amazingly beautiful and got the sort of coverage that Princess Di had but she was also a dynamic person and a wonderful mother,” said Bramwell, author of the acclaimed book, Magical Mystery Tours: My Life with the Beatles. “She was very funny and completely got British humour. That made her

a natural for those sort of films, but there was so much more to her than a beautiful figure.

“Those risqué films became soft porn, which she refused, so she turned to stage work. She really was a template for a lot of glamorous figures today who make fortunes. She got paid very little and had lousy agents. If she had started a decade ago, she would have made millions.”

The couple drifted apart and Julie returned to Norway where she joined the influential Rogaland Theatre in Stavanger. Fellow actress Gretelill Tangen, 58, recalled: “We have never had so much attention as when Julie joined us but there was nothing of the prima donna about her.

“She had no formal training as an actress but was willing to learn from older actors and everyone loved her because she was so down to earth.”

Her eldest daughter Joanna Syson, 38, a film editor based in Shanghai, was born in west London and remembers the early years on the London showbiz circuit and having Queen guitarist Brian May as a neighbour. “Mum wasn’t materialistic at all and we’d go around in a battered Mini,” said Joanna. “She loved being in the garden and would be digging around in the afternoon and then go inside and transform herself into this beautiful, glamorous woman to go

to shows or meet contacts.

“It is amazing to think that she started out in a bicycle factory and then became an international star and then a nurse. She spoke publicly about her cancer because she wanted to help other women and hope they wouldn’t suffer in silence or isolation. It became a cause for her.

“She had a mastectomy and then spoke about plastic surgery and her openness was a breath of fresh air. She refused to let it blight her life and hoped others would feel the same way. The fact that she was studying and determined to create a new life in her 40s also inspired people.”

Julie wrote her autobiography, Naked, and still attended premieres and events in Oslo while holding down a demanding job as a nurse in the Buskerud Hospital in Drammen. “She was a nurse and loved the job,” said Joanna. “You would never have known she had this rich, glamorous past if you’d met her. You would have just been struck by her energy, her smile and her determination to help people.

“Even at the very end she was strong and stunningly beautiful. The last thing she did was give us a big, blinding smile. It was a beautiful moment and she has gone way too soon.”

Julie’s family are not the only ones to feel so bereft. Her saucy film roles may have initially shocked the small-town society from whence she came, but Julie Ege soon won them over with her unpretentious and hardworking attitude.

“At first, her roles in glamorous films were frowned upon simply because no one from Norway had done that stuff before,” said Rogaland Theatre administrator Knud Helge Robberstad, “but she was much loved throughout the nation for her acting ability, her openness and her dignity. It was a great sense of national loss when she passed away.”

In the town that initially damned her, they are organising a statue to commemorate the life of a woman who stepped away from the showbiz shallows to have a deep, lasting impact on society.

Comments Unavailable

Sorry, we are unable to accept comments about this article at the moment. However, you will find some great articles which you can comment on right now in our Comment section.


محتويات

Paul McCartney was inspired to write "Helter Skelter" after reading an interview with the Who's Pete Townshend where he described their September 1967 single, "I Can See for Miles", as the loudest, rawest, dirtiest song the Who had ever recorded. He said he then wrote "Helter Skelter" "to be the most raucous vocal, the loudest drums, et cetera". [5] On 20 November 1968, two days before the release of البيتلز (also known as "the White Album"), [6] McCartney gave Radio Luxembourg an exclusive interview, in which he commented on several of the album's songs. [7] Speaking of "Helter Skelter", he said:

Umm, that came about just 'cause I'd read a review of a record which said, "and this group really got us wild, there's echo on everything, they're screaming their heads off." And I just remember thinking, "Oh, it'd be great to do one. Pity they've done it. Must be great – really screaming record." And then I heard their record and it was quite straight, and it was very sort of sophisticated. It wasn't rough and screaming and tape echo at all. So I thought, "Oh well, we'll do one like that, then." And I had this song called "Helter Skelter," which is just a ridiculous song. So we did it like that, 'cos I like noise. [8]

In British English, a helter skelter is a fairground attraction consisting of a tall spiral slide winding round a tower, but the phrase can also mean chaos and disorder. [9] McCartney said that he was "using the symbol of a helter skelter as a ride from the top to the bottom the rise and fall of the Roman Empire – and this was the fall, the demise." [5] He later said that the song was a response to critics who accused him of writing only sentimental ballads and being "the soppy one" of the band. [10] Although the song is credited to the Lennon–McCartney partnership, it was written by McCartney alone. [11] John Lennon acknowledged in a 1980 interview: "That's Paul تماما." [12]

The song is in the key of E major [13] and the 4/4 time signature. [14] On the recording issued on البيتلز, its structure comprises two combinations of verse and chorus, followed by an instrumental passage and a third verse–chorus combination. This is followed by a prolonged ending during which the performance stops, picks up again, fades out, fades back in, and then fades out one final time amidst a cacophony of sounds. [14] The stereo mix features one more section that fades in and concludes the song. [15]

The only chords used in the song are E7, G and A, with the first of these being played throughout the extended ending. Musicologist Walter Everett comments on the musical form: "There is no dominant and little tonal function organized noise is the brief." [16] The lyrics initially follow the title's fairground theme, from the opening line "When I get to the bottom I go back to the top of the slide". McCartney completes the first half-verse with a hollered "and then I see you AGAIN!" [17] The lyrics then become more suggestive and provocative, with the singer asking, "But do you, don't you, want me to love you?" [18] In author Jonathan Gould's description, "The song turns the colloquialism for a fairground ride into a metaphor for the sort of frenzied, operatic sex that adolescent boys of all ages like to fantasize about." [19]

"Helter Skelter" was recorded several times during the sessions for the White Album. During the 18 July 1968 session, the Beatles recorded take 3 of the song, lasting 27 minutes and 11 seconds, [20] although this version is slower, differing greatly from the album version. [21] [nb 1] Chris Thomas produced the 9 September session in George Martin's absence. [2] He recalled the session was especially spirited: "While Paul was doing his vocal, George Harrison had set fire to an ashtray and was running around the studio with it above his head, doing an Arthur Brown." [22] [nb 2] Ringo Starr recalled: "'Helter Skelter' was a track we did in total madness and hysterics in the studio. Sometimes you just had to shake out the jams." [24]

On 9 September, 18 takes lasting approximately five minutes each were recorded, with the last one featured on the original LP. [22] At around 3:40, the song completely fades out, then gradually fades back in, fades back out partially, and finally fades back in quickly with three cymbal crashes and shouting from Starr. [25] During the end of the 18th take, he threw his drum sticks across the studio [15] and screamed, "I got blisters on my fingers!" [5] [22] [nb 3] Starr's shout was only included on the stereo mix of the song the mono version (originally on LP only) ends on the first fadeout without Starr's outburst. [27] [nb 4] On 10 September, the band added overdubs which included a lead guitar part by Harrison, trumpet played by Mal Evans, piano, further drums, and "mouth sax" created by Lennon blowing through a saxophone mouthpiece. [27]

According to music critic Tim Riley, although McCartney and Lennon had diverged markedly as songwriters during this period, the completed track can be seen as a "competitive apposition" to Lennon's "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey". He says that whereas Lennon "submerges in scatalogical contradictions" in his song, "Helter Skelter" "ignites a scathing, almost violent disorder". [29] In Everett's view, rather than the Who's contemporaneous music, the song "sounds more like an answer to [Yoko Ono]", the Japanese performance artist who, as Lennon's new romantic partner, was a constant presence at the White Album sessions and a source of tension within the band. [30]

"Helter Skelter" was sequenced as the penultimate track on side three of البيتلز, between "Sexy Sadie" and "Long, Long, Long". [31] [32] The segue from "Sexy Sadie" was a rare example of a gap (or "rill") being used to separate the album's tracks, and the brief silence served to heighten the song's abrupt arrival. [33] In Riley's description, the opening guitar figure "demolishes the silence . from a high, piercing vantage point" while, at the end of "Helter Skelter", the meditative "Long, Long, Long" begins as "the smoke and ash are still settling". [34] The double LP was released by Apple Records on 22 November 1968. [6] [35]

In his contemporary review for International Times, Barry Miles described "Helter Skelter" as "probably the heaviest rocker on plastic today", [36] while the NME ' s Alan Smith found it "low on melody but high on atmosphere" and "frenetically sexual", adding that its pace was "so fast they all only just about keep up with themselves". [37] Record Mirror ' s reviewer said the track contained "screaming pained vocals, ear splitting buzz guitar and general instrumental confusion, but [a] rather typical pattern", and concluded: "Ends sounding like five thousand large electric flies out for a good time. John [كذا] then blurts out with excruciating torment: 'I got blisters on my fingers!'" [38]

في مراجعته لـ صخره متدحرجه, Jann Wenner wrote that the Beatles had been unfairly overlooked as hard rock stylists, and he grouped the song with "Birthday" and "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey" as White Album tracks that captured "the very best traditional and contemporary elements in rock and roll". He described "Helter Skelter" as "excellent", highlighting its "guitar lines behind the title words, the rhythm guitar track layering the whole song with that precisely used fuzztone, and Paul's gorgeous vocal". [39] Geoffrey Cannon of الحارس praised it as one of McCartney's "perfect, professional songs, packed with exact quotes and characterisation", and recommended the stereo version for the way it "transforms" the song "from a nifty fast number to one of my best 30 tracks of all time". [40] Although he misidentified it as a Lennon song, William Mann of الأوقات said "Helter Skelter" was "exhaustingly marvellous, a revival that is willed by creativity . into resurrection, a physical but essentially musical thrust into the loins". [41]

In June 1976, Capitol Records included the track on its themed double album compilation Rock 'n' Roll Music. In the United States, the song was also issued on the single promoting the album, as the B-side to "Got to Get You into My Life". [42] In 2012, "Helter Skelter" appeared on the iTunes compilation album Tomorrow Never Knows, which the band's website described as a collection of "the Beatles' most influential rock songs". [43]

Charles Manson told his followers that several White Album songs, particularly "Helter Skelter", [44] were part of the Beatles' coded prophecy of an apocalyptic war in which racist and non-racist whites would be manoeuvred into virtually exterminating each other over the treatment of blacks. [45] [46] [47] Upon the war's conclusion, after black militants had killed off the few whites that had survived, Manson and his "Family" of followers would emerge from an underground city in which they would have escaped the conflict. As the only remaining whites, they would rule blacks, who, as the vision went, would be incapable of running the United States. [48] Manson employed "Helter Skelter" as the term for this sequence of events. [49] [50] In his interpretation, the lyrics of the Beatles' "Helter Skelter" described the moment when he and the Family would emerge from their hiding place – a disused mine shaft in the desert outside Los Angeles. [51]

Los Angeles Deputy District Attorney Vincent Bugliosi, who led the prosecution of Manson and four of his followers who acted on Manson's instruction in the Tate-LaBianca murders, named his best-selling book about the murders هيلتر سكيلتر. [52] At the scene of the LaBianca murders in August 1969, the phrase (misspelt as "HEALTER SKELTER") was found written in the victims' blood on the refrigerator door. [53] [54] In October 1970, Manson's defence team announced that they would call on Lennon for his testimony. Lennon responded that his comments would be of no use, since he had no hand in writing "Helter Skelter". [55]

Bugliosi's book was the basis for the 1976 television film هيلتر سكيلتر. The film's popularity in the US ensured that the song, and the White Album generally, received a new wave of attention. As a result, Capitol planned to issue "Helter Skelter" as the A-side of the single from Rock 'n' Roll Music but relented, realising that to exploit its association with Manson would be in poor taste. [42] In the final interview he gave before his murder in December 1980, Lennon dismissed Manson as "just an extreme version" of the type of listener who read false messages in the Beatles' lyrics, such as those behind the 1969 "Paul is dead" rumour. [56] Lennon also said: "All that Manson stuff was built around George's song about pigs ['Piggies'] and this one, Paul's song about an English fairground. It has nothing to do with anything, and least of all to do with me." [12]

Reflecting on "Helter Skelter" and its appropriation by the Manson Family in his 1997 authorised biography, Many Years from Now, McCartney said, "Unfortunately, it inspired people to do evil deeds" and that the song had acquired "all sorts of ominous overtones because Manson picked it up as an anthem". [57] Author Devin McKinney describes the White Album as "also a black album" in that it is "haunted by race". [58] He writes that, in spite of McCartney's comments about the song's meaning, the recording conveys a violent subtext typical of much of the album and that "Here as ever in Beatle music, performance determines meaning and as the adrenalized guitars run riot, the meaning is simple, dreadful, inarticulate, and instantly understood: She's coming down fast." [1] In her 1979 collection of essays about the 1960s, titled The White Album, Joan Didion wrote that many people in Los Angeles cite the moment that news arrived of the Manson Family's killing spree in August 1969 as having marked the end of the decade. [59] According to author Doyle Greene, the Beatles' "Helter Skelter" effectively captured the "crises of 1968", which contrasted sharply with the previous year's Summer of Love ethos. He adds: "While 'Revolution' posited a forthcoming unity as far as social change, 'Helter Skelter' signified a chaotic and overwhelming sense of falling apart occurring throughout the world politically and, not unrelated, the falling apart of the Beatles as a working band and the counterculture dream they represented." [60]

Writing for MusicHound in 1999, Guitar World editor Christopher Scapelliti grouped "Helter Skelter" with "While My Guitar Gently Weeps" and "Happiness Is a Warm Gun" as the White Album's three "fascinating standouts". [61] The song was noted for its "proto-metal roar" by AllMusic reviewer Stephen Thomas Erlewine. [62] Coinciding with the 50th anniversary of the album's release, Jacob Stolworthy of المستقل listed the same three songs as its best tracks, with "Helter Skelter" ranked at number 3. Stolworthy described it as "one of the best rock songs ever recorded" and concluded: "The fiercest, most blistering track that arguably paved the way for heavy metal is far removed from the tame love songs people were used to from [McCartney]." [63] Writing in 2014, Ian Fortnam of موسيقى روك تقليدية magazine cited "Helter Skelter" as one of the four songs that made the Beatles' White Album an "enduring blueprint for rock", along with "While My Guitar Gently Weeps", "Yer Blues" and "Don't Pass Me By", in that together they contained "every one of rock's key ingredients". [64] In the case of McCartney's song, he said that the track was "one of the prime progenitors of heavy metal" and a major influence on 1970s punk rock. [65]

Ian MacDonald dismissed "Helter Skelter" as "ridiculous, [with] McCartney shrieking weedily against a massively tape-echoed backdrop of out-of-tune thrashing", and said that in their efforts to embrace heavy rock, the Beatles "comically overreached themselves, reproducing the requisite bulldozer design but on a Dinky Toy scale". He added: "Few have seen fit to describe this track as anything other than a literally drunken mess." [66] Rob Sheffield was also unimpressed, writing in The Rolling Stone Album Guide (2004) that, following the double album's release on CD, "now you can program 'Sexy Sadie' and 'Long, Long, Long' without having to lift the needle to skip over 'Helter Skelter.'" [67] David Quantick, in his book Revolution: The Making of the Beatles' White Album, describes the song as "Neither loud enough to bludgeon the listener into being impressed nor inspired enough to be exciting". He says that it becomes "a bit dull after two minutes" and, after its laboured attempts at an ending, is "redeemed only" by Starr's closing remark. [68]

Doyle Greene states that the Beatles and Manson are "permanently connected in pop-culture consciousness" as a result of Manson's interpretation of "Helter Skelter", "Piggies" and other tracks from the White Album. [69] "Helter Skelter" was voted the fourth worst song in one of the first polls to rank the Beatles' songs, conducted in 1971 by WPLJ and صوت القرية. [70] According to Walter Everett, it is typically among the five most-disliked Beatles songs for members of the baby boomer generation, who made up the band's contemporary audience during the 1960s. [71]

In March 2005, س magazine ranked "Helter Skelter" at number 5 in its list of the "100 Greatest Guitar Tracks Ever". [72] The song appeared at number 52 in صخره متدحرجه ' s 2010 list of "The 100 Greatest Beatles Songs". [25] [73] In 2018, كيرانج! selected it as one of "The 50 Most Evil Songs Ever" due to its association with the Manson Family murders. [74]

Since the producers of the 1976 film هيلتر سكيلتر were denied permission to use the Beatles recording, the song was re-recorded for the soundtrack by the band Silverspoon. [75] In 1978, Siouxsie and the Banshees included a cover of "Helter Skelter", produced by Steve Lillywhite, on their debut album The Scream. [76] [77] Fortnam cites the band's choice as reflective of how the song's "macabre association with Charles Manson . only served to accentuate its enduring appeal in certain quarters". [78] [nb 5] While discussing the stereo and mono versions of the Beatles' 1968 recording and the best-known cover versions of the track up to 2002, Quantick highlights the Siouxsie and the Banshees recording as "the best of all of them". [68] [nb 6] In an article about the legacy of the song, الأوقات المالية further commented the Banshees' version, saying: "The abrupt ending on “stop” also leaves the listener mentally stuck at the top of the slide with no way down". [80]

In 1983, Mötley Crüe included the song on their album Shout at the Devil. Nikki Sixx, the band's bassist, recalled that "Helter Skelter" appealed to them through its guitars and lyrics, but also because of the Manson murders and the song's standing as a "real symbol of darkness and evil". [81] Mötley Crüe's 1983 picture disc for the song featured a photo of a fridge with the title written in blood. [81] That same year, the Bobs released an a-cappella version on their album The Bobs. [82] It earned them a 1984 Grammy nomination for Best Vocal Arrangement for Two or More Voices. [83]

In 1988, a U2 recording was used as the opening track on their album Rattle and Hum. The song was recorded live at the McNichols Sports Arena in Denver, Colorado on 8 November 1987. [84] Introducing the song, Bono said, "This is a song Charles Manson stole from the Beatles. We’re stealing it back." [75] Aerosmith included a cover of "Helter Skelter", recorded in 1975, on their 1991 compilation Pandora's Box compilation. [85] Aerosmith's version charted at number 21 on the Album Rock Tracks chart in the US. [86]

Oasis recorded a cover of "Helter Skelter", released in 2000 as a B-side on their "Who Feels Love?" غير مرتبطة. They also performed the song on their world tour promoting their fourth album Standing on the Shoulder of Giants in the early 2000s. A live version was included on their live album Familiar to Millions.

"Helter Skelter" has been covered by many other artists, including Pat Benatar, Vow Wow, Hüsker Dü, Dianne Heatherington and Thrice. [87] Shock rock band Rob Zombie collaborated with Marilyn Manson on a cover of "Helter Skelter", which was released in 2018 to promote their co-headlining "Twins of Evil: The Second Coming Tour". [88] [89] Their version peaked at number nine on لوحة 's Hard Rock Digital Songs. [90]

Since 2004, McCartney has frequently performed "Helter Skelter" in concert. The song featured in the set lists for his '04 Summer Tour, The 'US' Tour (2005), Summer Live '09 (2009), the Good Evening Europe Tour (2009), the Up and Coming Tour (2010–11) and the On the Run Tour (2011–12). [75] He also played it on his Out There Tour, which began in May 2013. In the last tours, the song has been generally inserted on the third encore, which is the last time the band enters the stage. It is usually the last but one song, performed after "Yesterday" and before the final medley including "The End". McCartney played the song on his One on One Tour at Fenway Park on 17 July 2016 accompanied by the Grateful Dead's Bob Weir and New England Patriots football player Rob Gronkowski.

McCartney performed the song live at the 48th Annual Grammy Awards on 8 February 2006 at the Staples Center in Los Angeles. In 2009, he performed it live on top of the Ed Sullivan Theater during his appearance on the عرض متأخر مع ديفيد ليترمان. [75]

At the 53rd Grammy Awards in 2011, the version of the song from McCartney's live album Good Evening New York City, recorded during the Summer Live '09 tour, won in the category of Best Solo Rock Vocal Performance. [91] [92] It was his first solo Grammy Award since he won for arranging "Uncle Albert/Admiral Halsey" in 1972. [93] McCartney opened his set at 12-12-12: The Concert for Sandy Relief with the song. [94] On 13 July 2019, the final date of his Freshen Up tour, [95] McCartney performed "Helter Skelter" at Dodger Stadium in Los Angeles with Starr playing drums. [96]